10 mẹo vẽ tranh phong cảnh hoàn hảo cho người mới bắt đầu

 Dưới đây là 10 mẹo vẽ tranh phong cảnh hoàn hảo cho người mới bắt đầu. Tranh phong cảnh có thể đơn giản hoặc phức tạp tùy theo ý muốn của bạn. Đây là một chủ đề tuyệt vời dành cho những người mới bắt đầu vẽ tranh nhưng rất ít họa sĩ thực sự nắm vững nghệ thuật vẽ tranh phong cảnh.

Mặc dù những mẹo này nhắm đến người mới bắt đầu, nhưng ngay cả những nghệ sĩ tiên tiến cũng có thể thấy giá trị khi xem lại những điều cơ bản. Bài đăng này sẽ bao gồm những điều sau đây:

1. Đơn giản hóa sự lộn xộn

2. Sử dụng Palette Knife để thêm họa tiết và các cạnh sắc nét

3. Tạo ảo giác về những con số

4. Những biến thể tinh tế với bảng màu hạn chế

5. Nhiệt độ màu là tương đối, không tuyệt đối

6. Học cách chấp nhận sự không hoàn hảo

7. Bắt đầu tối và tăng giá trị

8. Kết hợp các bản phác thảo theo thời gian để cải thiện khả năng phán đoán của bạn

9. Tất cả chỉ là hình dạng, đường nét và màu sắc

10. Sử dụng màu đen trắng hoặc đơn điệu để nâng cao hiểu biết của bạn về giá trị

1. Đơn giản hóa sự lộn xộn

Có quá nhiều nghệ sĩ bị cuốn vào chi tiết của phong cảnh. Đôi khi cần thêm những chi tiết tẻ nhạt, nhưng những lúc này nhìn chung là ở phần cuối của bức tranh.

Sẽ hiệu quả hơn nhiều nếu bạn nhấn mạnh một số khu vực nhất định của bức tranh (tiêu điểm của bạn) và để phần còn lại của tác phẩm cho trí tưởng tượng. Bạn có thể nhấn mạnh tiêu điểm của mình theo nhiều cách, chẳng hạn như:

Sử dụng nét vẽ tinh tế hơn so với phần còn lại của bức tranh

Sử dụng màu sắc tươi sáng hơn

Sử dụng nhiều màu sắc bão hòa hơn

Tạo độ tương phản sắc nét về màu sắc hoặc giá trị

Sử dụng nét vẽ sắc nét hơn hoặc sử dụng dao pha màu

Những điểm này chỉ có hiệu quả trong việc nhấn mạnh tiêu điểm của bạn nếu bạn đơn giản hóa phần còn lại của bức tranh.

Hãy xem bức tranh trên của Camille Pissarro và xem kỹ xem có bao nhiêu chi tiết được thêm vào. Hãy chú ý rằng khi bạn tập trung vào một số khu vực nhất định của bức tranh, thực sự không có nhiều chi tiết, chỉ có những nét màu dường như ngẫu nhiên. Nhưng tất cả đều hòa quyện với nhau một cách hài hòa tuyệt đẹp.

Ngoài ra, hãy chú ý đến mức độ chi tiết được sử dụng để hiển thị người ở phía dưới bên phải. Nếu không có phần còn lại của khung cảnh, nó có lẽ sẽ không giống bất cứ thứ gì.

Trong trường hợp này, Pissarro đã sử dụng sự đơn giản hóa để thu hút sự chú ý khỏi tiền cảnh bị che khuất và đưa người xem xuyên qua những tán cây vào hậu cảnh nổi bật. Quá nhiều chi tiết ở tiền cảnh có thể sẽ làm cho bức tranh có vẻ quá sinh động.

2. Sử dụng Palette Knife để thêm họa tiết và các cạnh sắc nét

Con dao pha màu có thể là một sự bổ sung có giá trị cho pháo binh sơn của bạn (nó không chỉ để pha trộn màu sắc của bạn).

Tôi thấy nó được sử dụng tốt nhất khi kết hợp với cọ sơn. Tuy nhiên, bạn có thể hoàn thành toàn bộ bức tranh chỉ bằng dao bảng màu. Điều này chắc chắn tạo ra một hiệu ứng rất thú vị.

Hãy xem cách tôi vẽ Hoa màu đỏ tươi. Tôi hầu như chỉ sử dụng dao pha màu cho bức tranh này.

Một số cách sử dụng dao pha màu tốt nhất trong tranh phong cảnh mà tôi đã tìm thấy là:

Thêm kết cấu bị hỏng vào đá

Tạo những đám mây đậm trên bầu trời

Thêm những điểm nổi bật sắc nét vào cảnh hoàng hôn rực rỡ

Phá vỡ cảnh biển đơn điệu bằng một số kết cấu

Công việc đường dây, chẳng hạn như hàng rào

Tạo kết cấu đậm nét cho cây cối và bụi rậm

3. Tạo ảo giác về những con số

Trong vẽ tranh phong cảnh, bạn sẽ gặp nhiều tình huống trong đó việc tạo ảo giác về các con số sẽ tốt hơn nhiều thay vì thử vẽ từng đồ vật riêng lẻ.

Ví dụ: nếu bạn có một rừng cây, bạn không nên thử vẽ từng cây riêng lẻ. Điều đó sẽ cực kỳ phức tạp. Thay vào đó, bạn nên vẽ các hình dạng và tông màu chung của khu rừng, sau đó chỉ vẽ chi tiết một vài cái cây. Điều này sẽ làm cho nó trông giống như một khu rừng mà không cần phải vẽ từng chi tiết nhỏ nhất.

Hãy xem cỏ và cây trong bức tranh trên của Claude Monet. Có chút nghi ngờ đó là cỏ và cây. Tuy nhiên, về cơ bản không có chi tiết nào ngoài một số khác biệt tinh tế về tông màu.

4. Những biến thể tinh tế với bảng màu hạn chế

Một vấn đề mà nhiều người mới bắt đầu gặp phải khi vẽ phong cảnh là họ không tạo ra đủ sự khác biệt tinh tế giữa các màu sắc. Bức tranh thường thiếu chiều sâu và trông rất hai chiều.

Nhiều bức tranh phong cảnh không có bố cục màu sắc phức tạp mà là sự hòa hợp đơn giản giữa màu xanh lá cây, xanh lam và màu đất.

Để đảm bảo bức tranh của bạn không quá đơn điệu, bạn cần tạo ra những khác biệt tinh tế ở những khu vực có dải màu hẹp (thay đổi tông màu, giá trị, nhiệt độ, v.v.). Ví dụ: bạn có thể chia nhỏ một đồng cỏ xanh rộng lớn bằng cách thêm một số nét màu vàng đất.

Như đã nói, bạn không nên cố gắng tạo ra sự khác biệt chỉ vì lợi ích của nó. Hãy thử và vẽ những gì bạn nhìn thấy. Nếu có ít sự khác biệt thì điều đó không sao cả (mặc dù hiếm khi xảy ra trong tự nhiên).

5. Nhiệt độ màu là tương đối, không tuyệt đối

Nhiệt độ màu là thang đo mức độ mát hoặc ấm của màu. Màu sắc mát mẻ bao gồm xanh lam và xanh lá cây, trong khi màu ấm bao gồm vàng, cam và đỏ.

Tuy nhiên, bạn không nên nghĩ về nhiệt độ màu một cách tuyệt đối. Thay vào đó, bạn nên coi nhiệt độ màu là một thang đo tương đối so với các màu khác trong bức tranh của bạn.

Ví dụ: giả sử bạn có màu xanh lam mát mẻ và bạn trộn với một chút màu cam. Màu hỗn hợp này sẽ ẤM hơn so với màu xanh lam không có màu cam trộn vào.

Tương tự, bạn có thể có một quả cam pha chút xanh lam sẽ MÁT hơn so với một quả cam lấy thẳng từ ống.

Vì vậy, ngay cả khi bức tranh của bạn chỉ có màu sắc mát mẻ, bạn vẫn nên suy nghĩ về nhiệt độ màu (ví dụ: bạn có thể muốn có một số màu xanh ấm hơn trên cây, nơi có nhiều ánh sáng hơn)

John Singer Sargent, Claude Monet Painting at the Edge of the Forest, c. 1844

Trên đây là một trong những bức tranh yêu thích của tôi của John Singer Sargent với sự góp mặt của Claude Monet (bạn có thể đọc thêm về nó ở đây). Hãy chú ý cách Sargent sử dụng màu xanh lá cây ấm hơn để thu hút sự chú ý đến tiền cảnh (ngược lại với màu xanh lá cây đậm hơn và mát hơn ở nửa trên của bức tranh).

6. Học cách chấp nhận sự không hoàn hảo

Sự không hoàn hảo chỉ là một phần của tự nhiên. Hãy học cách chấp nhận nó và cố gắng không làm mọi thứ trở nên hoàn hảo.

Bạn không cần phải hoàn toàn chính xác về giá trị, màu sắc và cấu trúc so với ảnh tĩnh vật và chân dung. Có một chút chậm trễ trong việc vẽ tranh phong cảnh (tuy nhiên, đây không phải là lý do để trở nên cẩu thả).

Chỉ cần nhớ rằng bạn không cố gắng tạo ra một sự thể hiện hoàn hảo của cảnh đó (nếu bạn muốn làm điều đó thì chỉ cần chụp một bức ảnh sẽ dễ dàng hơn).

7. Bắt đầu tối và tăng giá trị

Khi mới bắt đầu, bạn sẽ thấy dễ dàng hơn khi bắt đầu với tất cả các giá trị tối nhất trong bức tranh của mình. Từ đó, bạn có thể nâng cao giá trị cho những điểm nổi bật của mình.

Đối với tranh sơn dầu và acrylic, bạn không nên bắt đầu từ những điểm nổi bật trước. Điều này sẽ rất khó để đánh giá giá trị chính xác và những điểm sáng có thể sẽ trộn lẫn với những vùng tối và tạo ra hiệu ứng mờ. Tuy nhiên, đối với tranh màu nước, thông lệ là bắt đầu với giá trị cao nhất và giảm dần.

8. Kết hợp các bản phác thảo theo thời gian để cải thiện khả năng phán đoán của bạn

Một trong những cách tốt nhất để bạn có thể cải thiện khả năng vẽ tranh phong cảnh của mình (và khả năng vẽ tranh nói chung) là kết hợp các bản phác thảo nhanh hoặc theo thời gian vào quá trình đào tạo của bạn. Bạn có thể thực hiện những điều này bằng không khí hoặc từ một bức ảnh – điều đó không thực sự quan trọng.

Tôi sẽ giữ kích thước canvas rất nhỏ và vẽ một cảnh phong cảnh đơn giản. Nhưng hãy cố gắng hoàn thành nó trong một khoảng thời gian nhất định (chẳng hạn như không quá 20 phút).

Sản phẩm hoàn thiện sẽ không hoàn hảo nhưng đó không phải là mục đích của nó. Bằng cách vẽ những phong cảnh nhanh này, bạn sẽ học cách vẽ theo bản năng hơn và rèn luyện khả năng đánh giá các giá trị và màu sắc.

Bạn nên xem phần trình diễn này của họa sĩ người Nga Bato Dugarzhapov, người đã thể hiện khả năng vẽ tranh bản năng của mình trong một buổi học rất nhanh:

Đây là một bản phác thảo nhanh thực sự mà tôi đã sử dụng dầu dựa trên một ngày nắng đẹp tại New Farm Park ở Queensland, Australia. Tất cả, việc này có lẽ khiến tôi mất khoảng 15 phút (nó chỉ là một bức vẽ nhỏ). Những bản phác thảo như thế này thực sự giúp tôi có được sự đánh giá tốt hơn về các giá trị.

9. Tất cả chỉ là hình dạng, đường nét và màu sắc

Điều này áp dụng cho mọi loại tranh. Bạn nên cố gắng nghĩ về các yếu tố trong khung cảnh của mình không phải là mây, cây, nước và cỏ mà là các hình dạng, đường nét và màu sắc khác nhau.

Nếu bạn tập trung vào việc vẽ những hình dạng, đường nét và màu sắc này thì bạn nên (với cách thực hiện phù hợp) có một bức tranh giống phong cảnh của bạn.

Thay vào đó, nếu bạn bắt đầu vẽ những đám mây, cây cối, nước và cỏ, thì cuối cùng bạn có thể vẽ từ trí tưởng tượng của mình hơn là những gì thực sự ở đó. Kết quả là cây của bạn có thể xanh hơn một chút so với thực tế. Hoặc bầu trời xanh hơn.

10. Sử dụng màu đen trắng hoặc đơn điệu để nâng cao hiểu biết của bạn về giá trị

Nếu bạn đang gặp khó khăn trong việc đạt được các giá trị phù hợp trong các bức tranh phong cảnh của mình (mức độ sáng hay tối của một thứ gì đó), thì bạn có thể muốn cân nhắc việc tạm dừng sử dụng màu sắc và chỉ vẽ phong cảnh bằng màu đen trắng hoặc một dải màu đơn điệu. (tức là các sắc thái và sắc thái khác nhau của gỗ umber thô).

Điều này sẽ giúp bạn đánh giá được cảnh quan sáng hay tối. Bạn có thể ngạc nhiên về mức độ khó khăn của việc này.

Giá trị được nhiều người coi là một trong những biến số quan trọng nhất trong một bức tranh..

Xem thêm  VIDEO sau đây :

20 Họa sĩ và Nghệ sĩ Ý nổi tiếng xuyên suốt Lịch sử

 

Ý đã ban tặng cho một số nghệ sĩ mang tính biểu tượng và quyến rũ nhất trong lịch sử. Từ những bức bích họa đầy cảm hứng thời Phục hưng Ý cho đến những nét vẽ táo bạo của nghệ thuật hiện đại, các họa sĩ người Ý đã để lại dấu ấn không thể phai mờ trong văn hóa toàn cầu.

Trong bài viết này, chúng ta sẽ khám phá 20 họa sĩ nổi tiếng người Ý, những người đã giúp thay đổi sự hiểu biết và đánh giá cao nghệ thuật Ý qua nhiều thế hệ.

Michelangelo

Năm sinh: 1475

Năm mất: 1564

Thành phố/tỉnh sinh: Tuscany

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Chủ nghĩa hiện thực vật lý, sử dụng ánh sáng, không gian và bóng tối

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Madonna of Bruges (1501-1504), Trần nhà nguyện Sistine (1512)

Michelangelo là một trong những nghệ sĩ Ý nổi tiếng nhất thời Phục hưng Ý. Ông là một họa sĩ, nhà điêu khắc và kiến trúc sư có tay nghề cao, người đã bộc lộ niềm đam mê nghệ thuật thị giác ngay từ khi còn trẻ.

Ông bị ảnh hưởng sâu sắc bởi bối cảnh hội họa Venice mới chớm nở do các nghệ sĩ như Giovanni Bellini dẫn đầu.

Các kỹ thuật và quyết định về phong cách của ông đã ảnh hưởng đến các phong trào nghệ thuật tiếp theo, bao gồm cả thời kỳ Baroque, do các nghệ sĩ người Ý như Caravaggio lãnh đạo.

Hai bức tranh nổi tiếng nhất của ông là ở Nhà nguyện Sistine: “Sự phán xét cuối cùng” và “Sự sáng tạo của Adam”.

Sandro Botticelli

Năm sinh: 1445

Năm mất: 1510

Thành phố/tỉnh sinh: Florence

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Chân dung, chủ đề tôn giáo, thần thoại

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Sự ra đời của thần Vệ Nữ (1485–1486), Primavera (1477–1482)

Sandro Botticelli là một họa sĩ nổi tiếng người Ý thời kỳ đầu Phục hưng.

Các tác phẩm dựa trên thần thoại của ông, “Sự ra đời của sao Kim” và “Primavera”, có ảnh hưởng đáng kể đến nghệ thuật châu Âu, phản ánh sức sống và vẻ đẹp của thời kỳ Phục hưng.

Anh ấy là người học việc của Fra Filippo Lippi, người được biết đến với những bức tranh chi tiết về Madonna, người có thể thấy ảnh hưởng của người này trong các tác phẩm đầu tiên của Botticelli.

Các tác phẩm tôn giáo của Botticelli, chẳng hạn như “Sự tôn thờ của các pháp sư”, thể hiện sự kết hợp giữa các chủ đề tôn giáo với mối quan tâm sâu sắc đến cảm xúc con người và chi tiết tường thuật.

 Caravaggio

Năm sinh: 1571

Năm mất: 1610

Thành phố/tỉnh sinh: Milano

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Tĩnh vật, chủ đề tôn giáo, thần thoại

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Cậu bé cầm giỏ trái cây (1593), Cái chết của trinh nữ (1604–1606)

Michelangelo Merisi da Caravaggio là họa sĩ hàng đầu người Ý nổi tiếng với việc sử dụng chiaroscuro và hiệu ứng ánh sáng ấn tượng trong tranh của mình.

Tác phẩm của ông đánh dấu sự chuyển đổi trong thế giới nghệ thuật từ phong cách sang trọng tinh tế của thời Phục hưng Ý sang phong cách Baroque đầy cảm xúc và ấn tượng hơn.

Caravaggio thường sử dụng những người bình thường làm hình mẫu cho những cảnh quay trong Kinh thánh của mình.

Ảnh hưởng đáng kể của ông lan rộng ra ngoài nước Ý, ảnh hưởng đến nhiều nghệ sĩ châu Âu, bao gồm Rembrandt và Velázquez.

Titian

Năm sinh: 1488

Năm mất: 1576

Thành phố/tỉnh sinh: Pieve di Cadore

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Chân dung, chủ đề tôn giáo, phong cảnh thần thoại

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Venus of Urbino (1534), Chân dung cưỡi ngựa của Charles V (1548)

Titian là một họa sĩ nổi tiếng người Ý, được coi là một trong những họa sĩ quan trọng nhất của thời kỳ Phục hưng Ý.

Khi còn trẻ, ông đã học nghề với họa sĩ hàng đầu người Ý Giovanni Bellini, một nhân vật sáng lập của Trường Hội họa Venice.

Titian được biết đến với khả năng thông thạo sơn dầu và khả năng nắm bắt cảm xúc của con người, khiến ông trở thành nhân vật hàng đầu trong thời kỳ Phục hưng Venice.

Raffaello 

Raffaello Sanzio da Urbino, hay Raphael, là một trong những nghệ sĩ người Ý nổi tiếng nhất thời kỳ Phục hưng cao.

Ông bị ảnh hưởng bởi nghiên cứu chi tiết về nhân vật của da Vinci, kỹ thuật chiaroscuro cũng như các hình thức năng động và hình tượng hoành tráng của Michelangelo.

Những bức tranh nổi tiếng nhất của Raphael bao gồm “The Sistine Madonna”, tượng trưng cho một Đức Trinh Nữ Maria lý tưởng và duyên dáng.

Giáo hoàng Julius II thậm chí còn bổ nhiệm Raphael làm kiến trúc sư trưởng của mình, một minh chứng cho vị thế cao trong nghệ thuật của ông.

Năm sinh: 1430

Năm mất: 1516

Thành phố/tỉnh sinh: Venice

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Tranh phong cảnh, chủ đề tôn giáo

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Agony in the Garden (1459–1465), Bàn thờ San Zaccaria (1505)

Giovanni Bellini là một họa sĩ người Ý nổi tiếng của Trường phái Venice và được coi là một trong những họa sĩ vĩ đại nhất thời Phục hưng Ý.

Ảnh hưởng của ông được thể hiện rõ qua công việc của các học trò của ông, Titian và Giorgione.

Bellini được biết đến với những bức tranh tôn giáo của mình. Một trong những tác phẩm nghệ thuật nổi tiếng nhất của ông là Bàn thờ San Zaccaria, được đặt trong nhà thờ San Zaccaria ở Venice.

Bức tranh nổi tiếng được coi là một kiệt tác của thời Phục hưng Venice và thể hiện Đức Trinh Nữ Maria và Hài nhi với các vị thánh.

Năm sinh: 1452

Năm mất: 1519

Thành phố/tỉnh sinh: Anchiano

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Chân dung, phong cảnh, giải phẫu người

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Bữa ăn tối cuối cùng (1498), Mona Lisa (1503)

Leonardo da Vinci là một trong những nghệ sĩ người Ý nổi tiếng nhất trong lịch sử nghệ thuật châu Âu.

Ông có kỹ năng về nghệ thuật thị giác và khoa học, kỹ thuật, giải phẫu và nhiều lĩnh vực khác.

Da Vinci đã tạo ra một trong những bức tranh Ý nổi tiếng nhất hiện nay, “Mona Lisa”.

Nằm trong bảo tàng Louvre ở Paris, “Mona Lisa” là bức chân dung của một người phụ nữ với nụ cười bí ẩn đã thu hút người xem trong nhiều thế kỷ.

Trong số những nghệ sĩ chịu ảnh hưởng của Da Vinci có Raphael và Michelangelo, cả hai đều sống cùng thời với thời kỳ Phục hưng cao độ.

Năm sinh: 1431

Năm mất: 1506

Thành phố/tỉnh sinh: Isola Mantegna

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Tranh vẽ, chủ đề tôn giáo, điêu khắc, chạm khắc

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Bàn thờ San Zeno (1460), Camera degli Sposi (1465-1474)

Andrea Mantegna là một trong những họa sĩ người Ý nổi tiếng nhất thế kỷ 15, được biết đến với khả năng phối cảnh và chi tiết điêu luyện.

Mantegna là người học việc ở tuổi 11, làm việc với Francesco Squarcione ở Padua, một nghệ sĩ và giáo viên hàng đầu thời bấy giờ.

Ảnh hưởng của Squarcione và các nghiên cứu về khảo cổ học La Mã của Mantegna đã định hình phần lớn phong cách nghệ thuật của ông.

Những bức tranh nổi tiếng nhất của ông bao gồm “Bàn thờ San Zeno”, một bức tranh quy mô lớn chứa đầy các chủ đề tôn giáo được đặt trong Vương cung thánh đường San Zeno, Verona.

Năm sinh: 1386

Năm mất: 1466

Thành phố/tỉnh sinh: Florence

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Phong cách điêu khắc thời Phục hưng

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: David (1430-1440), Penitent Magdalene (1440)

Nhà điêu khắc người Ý Donatello là bậc thầy về điêu khắc trên cả đá cẩm thạch và đồng và là một trong những nghệ sĩ thời Phục hưng Ý vĩ đại nhất.

Ông bị ảnh hưởng bởi phong cách Gothic thời Trung cổ và những đổi mới của thời Phục hưng Ý.

Những nghiên cứu của ông về thế giới tự nhiên cũng như những ý tưởng triết học và nghệ thuật nổi lên trong thời kỳ Phục hưng Ý đã định hình phong cách nghệ thuật của ông.

Donatello đã tạo ra một số tác phẩm nghệ thuật nổi tiếng, bao gồm tượng David, tác phẩm điêu khắc khỏa thân đứng đầu tiên được biết đến từ thời cổ đại.

Năm sinh: 1593

Năm mất: 1653

Thành phố/tỉnh sinh: Rome

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Tranh Baroque, kỹ thuật chiaroscuro

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Judith Slaying Holofernes (1612-1613), Susanna and the Elders (1610)

Artemisia Gentileschi là một họa sĩ người Ý theo phong cách Baroque nổi tiếng với những bức vẽ miêu tả các nhân vật nữ mạnh mẽ và cách sử dụng ánh sáng ấn tượng.

Việc Caravaggio sử dụng chiaroscuro và sự tập trung của ông vào những mô tả theo chủ nghĩa tự nhiên đã tác động đáng kể đến sự phát triển nghệ thuật của Gentileschi.

Cô đã tạo ra nhiều tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý, thường có hình ảnh những người phụ nữ mạnh mẽ và anh hùng trong lịch sử và thần thoại, bao gồm cả “Judith Slaying Holofernes”.

Bức tranh này mô tả Judith, một góa phụ Do Thái đã cứu người dân của mình bằng cách dụ dỗ và chặt đầu tướng quân Assyria, Holofernes.

Năm sinh: 1267

Năm mất: 1337

Thành phố/tỉnh sinh: Gần Florence

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Nghệ thuật tôn giáo, tranh vẽ, kiến trúc

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Nụ hôn của Judas (1306), Đóng đinh (1320)

Giotto di Bondone, hay Giotto, được coi là một trong những họa sĩ quan trọng nhất của thời kỳ Phục hưng đầu tiên.

Ông lấy cảm hứng từ truyền thống nghệ thuật Byzantine thịnh hành trong thời đại của mình, nhấn mạnh vào các hình phẳng, cách điệu và nền vàng. Sau đó, ông kết hợp chủ nghĩa tự nhiên và không gian ba chiều vào các bức tranh của mình.

Tác phẩm nghệ thuật nổi tiếng nhất của Giotto là loạt bức bích họa mà ông tạo ra trong Nhà nguyện Scrovegni, mô tả những cảnh trong cuộc đời của Chúa Kitô và Đức Trinh Nữ Maria, cùng những bức khác.

Năm sinh: 1518

Năm mất: 1594

Thành phố/tỉnh sinh: Venice

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Tranh tôn giáo và thần thoại

Tác phẩm nghệ thuật tiêu biểu: Bữa ăn tối cuối cùng (1594), Nguồn gốc dải ngân hà (1575)

Tintoretto, tên khai sinh là Jacopo Comin, được coi là một trong những nghệ sĩ thời Phục hưng Ý nổi tiếng nhất.

Ông nghiên cứu tác phẩm của các họa sĩ người Venice Giovanni Bellini, Jacopo Palma il Vecchio và Michelangelo.

Ảnh hưởng của chúng thể hiện rõ qua cách sử dụng ánh sáng và bóng tối một cách ấn tượng, bố cục sống động và cảm giác chuyển động trong tác phẩm nghệ thuật của ông. Những đặc điểm này trong tác phẩm của ông thường gắn liền với Trường phái Hội họa Venice.

Một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của ông là “Bữa tối cuối cùng”, mô tả khung cảnh trong Kinh thánh và ghi lại một cách hoàn hảo cường độ cảm xúc của thời điểm đó.

Năm sinh: 1477

Năm mất: 1510

Thành phố/tỉnh sinh: Castelfranco Veneto

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Sự hài hòa về tông màu, tranh phong cảnh, chân dung

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: The Tempest (1508), Sleeping Venus (1510)

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, hay Giorgione, là một họa sĩ người Ý thời kỳ Phục hưng cao.

Các tác phẩm của Giovanni Bellini, họa sĩ hàng đầu ở Venice lúc bấy giờ, đã ảnh hưởng đến Giorgione. Ông cũng nghiên cứu các hình thức và lý tưởng cổ điển của nghệ thuật cổ đại, được khám phá lại trong thời kỳ Phục hưng.

Một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của ông là “The Tempest”, hiện được lưu giữ tại Gallerie dell'Accademia ở Venice. Tác phẩm bí ẩn và đầy không khí này mô tả khung cảnh giông bão với một nhân vật phụ nữ khỏa thân đang nuôi con.

Năm sinh: 1884

Năm mất: 1920

Thành phố/tỉnh sinh: Livorno

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Ảnh khỏa thân, chân dung với dáng người thon dài và khuôn mặt giống mặt nạ

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Nằm khỏa thân (1917), Jacques và Berthe Lipchitz (1917)

Amedeo Modigliani là một họa sĩ và nhà điêu khắc nổi tiếng với phong cách khác biệt, đặc trưng bởi hình dáng thon dài và khuôn mặt giống mặt nạ.

Nhiều phong trào nghệ thuật và nghệ sĩ khác nhau đã tác động đến Modigliani, bao gồm Paul Cézanne và Pablo Picasso.

Ông cũng kết hợp các hình thức đơn giản hóa và các nhân vật nghệ thuật Châu Phi và Châu Đại Dương kéo dài vào tác phẩm của mình.

Những bức chân dung của Modigliani với khuôn mặt thon dài và đôi mắt hình quả hạnh được đánh giá cao. Đối tượng của anh bao gồm bạn bè, nghệ sĩ đồng nghiệp và những người yêu nhau, nắm bắt cá tính và cảm xúc bên trong của họ.

Năm sinh: 1401

Năm mất: 1428

Thành phố/tỉnh sinh: San Giovanni Valdarno

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Kỹ thuật Chiaroscuro, phối cảnh, chủ nghĩa tự nhiên

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Trục xuất khỏi Vườn Địa Đàng (1425), Chúa Ba Ngôi (1428)

Masaccio, một nghệ sĩ nổi tiếng người Ý được biết đến với việc sử dụng chiaroscuro, được coi là một trong những người tiên phong của nghệ thuật Phục hưng.

Ông lấy cảm hứng từ bối cảnh nghệ thuật đương đại của Florentine cũng như các nguyên tắc phối cảnh tuyến tính và chủ nghĩa tự nhiên được khám phá bởi các nghệ sĩ như Brunelleschi và Donatello.

Một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của Masaccio là chu trình bích họa, trong đó có bức tranh mang tính biểu tượng “Sự trục xuất khỏi Vườn Địa Đàng”.

Tác phẩm nghệ thuật này mô tả Adam và Eva bị trục xuất khỏi Thiên đường sau khi bất tuân, mang lại chiều sâu cảm xúc và sức mạnh tường thuật mới cho nghệ thuật tôn giáo.

Năm sinh: 1526

Năm mất: 1593

Thành phố/tỉnh sinh: Milano

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Đầu chân dung sáng tạo theo phong cách cắt dán

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Bốn mùa trong một đầu (1590), Vertumnus (1590)

Giuseppe Arcimboldo là một họa sĩ nổi tiếng người Ý nổi tiếng với phong cách giàu trí tưởng tượng, siêu thực và cách sử dụng các chất liệu độc đáo để tạo ra các bức chân dung.

Những tác phẩm đầu tiên của ông cho thấy ảnh hưởng của trường phái hội họa Lombard, đặc biệt là các tác phẩm của Leonardo da Vinci và Bernardino Luini.

Arcimboldo thường gắn liền với phong trào Mannerist, nhấn mạnh vào cách thể hiện và trí tưởng tượng của nghệ sĩ.

Một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của ông là “Bốn mùa”, mô tả Xuân, Hạ, Thu và Đông bằng cách sử dụng tập hợp nhiều loại trái cây, hoa, rau và các yếu tố tự nhiên khác.

Năm sinh: 1598

Năm mất: 1680

Thành phố/tỉnh sinh: Naples

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Nghệ thuật tôn giáo và điêu khắc thần thoại

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Thuốc lắc của Saint Teresa (1652), Apollo và Daphne (1625)

Gian Lorenzo Bernini, một nghệ sĩ Baroque người Ý quan trọng, được biết đến với ảnh hưởng đáng kể đến nghệ thuật thị giác của Châu Âu trong thời gian của ông.

Bernini bị ảnh hưởng bởi các tác phẩm của các nghệ sĩ thời Phục hưng nổi tiếng Michelangelo, Leonardo da Vinci và Raphael.

Ông cũng lấy cảm hứng từ các tác phẩm điêu khắc La Mã và Hy Lạp cổ đại, nghiên cứu tàn tích và tượng của Đế chế La Mã.

Trong số những tác phẩm điêu khắc nổi tiếng nhất của mình, ông đã tạo ra tác phẩm “The Ecstasy of Saint Teresa”, mô tả Thánh Teresa Avila trong khoảnh khắc xuất thần tâm linh.

Năm sinh: 1532

Năm mất: 1625

Thành phố/tỉnh sinh: Cremona

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Chân dung

Tác phẩm tiêu biểu: Ván cờ (1555), Chân dung tự họa bên giá vẽ (1556)

Sofonisba Anguissola là một trong những họa sĩ người Ý nổi tiếng nhất thời Phục hưng.

Tài năng và thành tích của Anguissola đã thu hút sự chú ý của Michelangelo, người đã trở thành người ngưỡng mộ và cố vấn cho cô.

Ảnh hưởng của Michelangelo có thể được nhìn thấy ở sự chú ý của cô đến từng chi tiết giải phẫu và cử chỉ biểu cảm.

Bức tranh “Trò chơi cờ vua” của cô mô tả Anguissola và các chị gái của cô đang tham gia vào một ván cờ. Bức chân dung thân mật và thân mật này của nghệ sĩ và gia đình cô ấy là một sự khác biệt so với những bức chân dung trang trọng truyền thống thời bấy giờ.

Năm thứ I: 1560

Năm mất: 1609

Thành phố/tỉnh sinh: Bologna

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Phong cách Baroque, nghệ thuật tôn giáo, phong cảnh

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: Venus, Adonis và Cupid (1590), Phong cảnh với chuyến bay vào Ai Cập (1603-1604)

Annibale Carracci là một trong những họa sĩ người Ý nổi tiếng nhất và đóng một vai trò quan trọng trong việc phát triển nghệ thuật Ý.

Ông nghiên cứu các tác phẩm của Michelangelo và Raphael từ thời kỳ Phục hưng cao.

Ông cũng lấy cảm hứng từ hội họa Venice, đặc biệt là cách sử dụng màu sắc và ánh sáng của các nghệ sĩ như Titian.

Một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của Carracci là “Chuyến bay vào Ai Cập”. Bức tranh này mô tả khung cảnh trong Kinh thánh về Đức Maria, Thánh Giuse và Hài nhi Giêsu chạy trốn sang Ai Cập để thoát khỏi cuộc tàn sát những người vô tội của Vua Herod.

Năm sinh: 1435

Năm mất: 1488

Thành phố/tỉnh sinh: Florence

Đặc điểm/chủ đề đáng chú ý: Điêu khắc biểu cảm, chân dung, chủ nghĩa hiện thực

Tác phẩm nghệ thuật đáng chú ý: David (1475), Lễ rửa tội của Giáo hội (1475)

Andrea del Verrocchio, một nhà điêu khắc và họa sĩ người Florentine thế kỷ 15, đã đóng một vai trò thiết yếu trong việc hình thành nên một số nghệ sĩ Ý vĩ đại nhất trong suốt lịch sử.

Ông không chỉ là chủ xưởng của mình mà còn dạy nhiều nghệ sĩ trẻ, trong đó có Leonardo da Vinci.

Anh theo học Donatello và được truyền cảm hứng từ các nghệ sĩ Florentine nổi tiếng Andrea del Castagno và Antonio del Pollaiuolo.

Các tác phẩm đáng chú ý nhất của Verrocchio bao gồm “Lễ rửa tội của Chúa Kitô” và “David”, thể hiện kỹ năng xuất sắc của ông với tư cách là một nhà điêu khắc với chất lượng sống động như thật và sự chú ý đến từng chi tiết.

Nguồn :http://www.artlex.com/

10 Tác Phẩm Nghệ Thuật Siêu Thực Nổi Tiếng Bạn Nên Xem

10 Tác Phẩm Nghệ Thuật Siêu Thực Nổi Tiếng

Chủ nghĩa siêu thực là một phong trào nghệ thuật mang tính cách mạng nổi lên ở châu Âu vào những năm 1920 như một phản ứng trước sự tàn bạo của Thế chiến thứ nhất và các giá trị văn hóa - chính trị thời bấy giờ. Nó gắn bó chặt chẽ với các lý thuyết phân tâm học của Sigmund Freud về giấc mơ và tiềm thức. Các nghệ sĩ theo chủ nghĩa siêu thực bác bỏ chủ nghĩa duy lý và chủ nghĩa tuân thủ các chuẩn mực xã hội áp bức, đồng thời quan tâm đến việc thử nghiệm và những kết quả bất ngờ; họ đã sử dụng và phát minh ra các kỹ thuật mới trong nghệ thuật, chẳng hạn như cắt dán, vẽ nguệch ngoạc, vẽ đường viền, v.v. Đặc điểm của tác phẩm nghệ thuật Siêu thực bao gồm yếu tố giả tưởng và phi lý, bầu không khí siêu hình, hình ảnh mộng mơ mô tả môi trường và phong cảnh bí ẩn, các vị trí kề nhau gây sốc, kỹ thuật thử nghiệm, v.v.

Ví dụ về tác phẩm nghệ thuật siêu thực như sau:

Andre Masson, BATTLE OF THE FISHES, 1927, 36.2 x 73 cm, Chalk, sand, gesso, charcoal, conte crayon, and oil on canvas – The Museum of Modern Art, New York (MoMA), USA

Khung cảnh hỗn loạn và đầy những hình thức trừu tượng; nó truyền tải một cảm giác mãnh liệt và hung hãn. Những con cá có răng sắc nhọn thống trị khung cảnh, trong khi những khu vực giống như cát và khói, những đường kẻ bằng than chì và than củi, cùng những vệt máu đỏ tràn ngập trên nền trắng.

Bức chân dung về sự tàn bạo của động vật này đóng vai trò như một câu chuyện ngụ ngôn về sự tàn bạo của cuộc sống và mọi sinh vật sống, kể cả con người. Cảnh này có thể được hiểu là sự mô tả nỗi lo lắng khủng khiếp mà Masson đã trải qua do những vết thương về thể chất và tinh thầnThe Lovers II là một phần trong loạt bốn bức tranh siêu thực mà Magritte vẽ trong suốt một năm, vào năm 1928. Bức tranh được đặc trưng bởi bảng màu trầm lắng và u sầu với các màu tương phản là nâu đỏ ấm áp và xanh xám lạnh lẽo. và khung cảnh bí ẩn và đáng lo ngại của nó. Magritte được công nhận nhờ cách tiếp cận độc đáo trong việc mang lại cho các đồ vật và chủ thể hàng ngày một chiều hướng mới bằng cách đặt chúng vào những bối cảnh mới và mâu thuẫn.

Trong bức tranh siêu thực này, Magritte đã tạo ra hai nhân vật đôi tình nhân cố gắng hôn nhau nhưng vô ích. Một tấm vải trắng – giống như tấm vải liệm – che mặt và cổ của họ. Loại vải dường như tách biệt các hình dạng mãi mãi, vì chúng không thể thực sự chạm và nhìn thấy nhau. Giới tính của đối tượng chỉ có thể được xác định bằng trang phục của họ. Khuôn mặt của người phụ nữ hơi nghiêng sang trái khi người đàn ông cúi xuống hôn cô ấy. Từ một số dấu hiệu kiến trúc, chẳng hạn như góc phòng và trần nhà phía trên, chúng ta có thể đoán bối cảnh của khung cảnh là một không gian bên trong. Vị trí trung tâm của các nhân vật tập trung sự chú ý của chúng ta vào những cặp tình nhân bí ẩn, những người hôn nhau theo phong cách điện ảnh như thể trong một bộ phim, điều này cho thấy ảnh hưởng của Magritte từ điện ảnh. Bất chấp sự đơn giản rõ ràng của bức tranh, tất cả các thành phần này đều góp phần tạo ra hiệu ứng tâm lý đối với người xem đang bối rối trước hình ảnh kỳ quái này.

Chưa hết, hình ảnh gợi tình và hấp dẫn ấy lại ẩn chứa đằng sau đó là một câu chuyện rùng rợn. Mẹ của Magritte, Regina, là một phụ nữ bị trầm cảm. Một ngày định mệnh, năm 1912, bà tự tử bằng cách rơi xuống sông Sabre ở Bỉ. Rene chỉ mới mười bốn tuổi khi điều này xảy ra. Người ta nói rằng anh ta đã có mặt khi thi thể của cô được kéo lên khỏi sông và chiếc váy ngủ màu trắng che kín toàn bộ khuôn mặt của cô, khiến phần còn lại của cơ thể lộ ra ngoài. Hình ảnh tấm vải quấn quanh mặt này đã đánh dấu René, người đã tái tạo nó thành họa tiết trong nhiều bức tranh của mình.

Max Ernst, CELEBS, 1921, 125,4 × 107,9cm, Oil on canvas – Tate Modern, London, UK

 Celebes là một trong những tác phẩm nghệ thuật Siêu thực quan trọng nhất và được tạo ra bởi nghệ sĩ siêu thực Max Ernst vào năm 1921. Max Ernst là một trong những người ủng hộ chủ nghĩa Tự động nổi bật nhất trong phong trào Siêu thực và tác phẩm của ông là đặc điểm của sự vô lý và kỳ quái của nó.

Bố cục nổi bật bởi một hình tròn lớn ở trung tâm giống như một con voi máy lớn. Cơ thể tròn trịa của sinh vật này được lấy cảm hứng từ một bức ảnh tạp chí nhân chủng học mô tả một thùng đất sét của Sudan dùng để đựng ngô. Ernst đã biến nó thành một con quái vật máy móc, với cái đầu có sừng và chiếc vòng kim loại quanh vòi voi. Đường chân trời thấp làm tăng kích thước và khiến con quái vật trông khổng lồ và đầy đe dọa. Ở phía trước, có một ma-nơ-canh nữ không đầu được cắt dọc theo khung của tác phẩm và một cây cột giống vật tổ ngay phía sau nó. Trên đầu sinh vật có những vật thể kỳ quái như thể thoát ra từ nó, trong khi ở hậu cảnh chúng ta thấy khói và hai con cá đang bay trên bầu trời âm u và nhiều mây. Khung cảnh máy móc và khói bụi có thể ám chỉ đến trải nghiệm chiến tranh kinh hoàng mà Ernst đã trải qua.

Tiêu đề của tác phẩm Celebes, (còn được gọi là The Elephant Celebes) có nguồn gốc từ một vần điệu trẻ con bằng tiếng Đức với hàm ý tình dục, như sau:

“Con voi ở Celebes có mỡ dính ở đáy màu vàng.

Con voi Sumatra luôn đụ bà ngoại.

Con voi Ấn Độ không bao giờ tìm được cái lỗ đâu ha-ha.”

Sự sắp xếp phi logic của các đồ vật không liên quan trong bức tranh gợi lên chất lượng mộng mơ và kỹ thuật liên tưởng tự do của Freud. Nó chắc chắn tuân theo truyền thống của de Chirico về không gian, bầu không khí và bảng màu đẹp như mơ, đồng thời kết hợp tính phi lý của Chủ nghĩa Siêu thực và kỹ thuật cắt dán của Dada để tạo ra những hiện thực ở thế giới khác.

Joan Miro, HARLEQUIN’S CARNIVAL, 1924-25, 66 x 93 cm, oil on canvas –  Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA

Lễ hội Harlequin's Carnival được Joan Miró tạo ra vào năm 1924 hoặc 1925. Đây là hình ảnh mang tính biểu tượng của Phong trào Chủ nghĩa Siêu thực và được coi là một trong những tác phẩm quan trọng nhất của nghệ sĩ. Tác phẩm này nổi bật bởi chất lượng trẻ thơ và việc sử dụng các hình thức hoạt hình giống với các sinh vật sống. Tác phẩm này kết hợp nghệ thuật trừu tượng với tưởng tượng siêu thực trong một nét quyến rũ kỳ lạ và thơ mộng. Người xem bị cuốn vào vũ trụ tưởng tượng này, bị hấp dẫn bởi những mâu thuẫn trong hình thức và ý nghĩa dễ nhận biết.

Bức tranh này miêu tả cảnh một lễ hội hoặc lễ kỷ niệm đang diễn ra trong một không gian trong nhà với một chiếc bàn và một cửa sổ ở phía sau. Harlequin, chủ đề của bức tranh này, là nhân vật chính của sự kiện này. Harlequin là một nhân vật truyện tranh nổi tiếng người Ý, người thường chơi guitar và thường có đặc điểm nổi bật là trang phục ca rô. Harlequin trong bức tranh của Miro được thể hiện như một nhân vật kỳ quái với bộ ria mép hoạt hình và vẻ mặt u sầu, trái ngược với bầu không khí vui vẻ chung. Các nhân vật tò mò và những sinh vật kỳ ảo xung quanh anh ta - chẳng hạn như mèo nhảy múa, nàng tiên cá, bọ nhân cách hóa, ngôi sao bay, nốt nhạc và bàn tay ma bay - lấp đầy không gian khi họ chơi, hát và nhảy một cách hỗn loạn. Nhiều hình dạng kỳ quái và hình dạng xoáy góp phần vào phong trào ăn mừng này khi chúng di chuyển hoặc lơ lửng xung quanh khung vẽ.

Khi Miró tạo ra tác phẩm này, anh cho biết mình đang trong hoàn cảnh khó khăn về tài chính và thường xuyên bị đói đến mức chết đói. Cơn đói sẽ gây ra ảo giác và những hình ảnh ảo giác mà sau đó anh sẽ ghi lại và đưa vào tác phẩm của mình. Các nhà phê bình nghệ thuật coi Lễ hội hóa trang của Harlequin là sự miêu tả của tiềm thức; nó được coi là đỉnh cao trong phong cách siêu thực khác biệt của Miro.

Man Ray, LE VIOLIN D’ INGRES, 1925, 29.6 × 22.7 cm, Gelatin silver print – J. Paul Getty Museum, Los Angeles, USA

Le Violon d'Ingres (tiếng Pháp có nghĩa là cây vĩ cầm của Ingres), do nghệ sĩ Man Ray tạo ra vào năm 1924, là một trong những bức ảnh nổi tiếng nhất và là một ví dụ kinh điển về nhiếp ảnh siêu thực. Lần đầu tiên nó được xuất bản trên tạp chí Siêu thực Littérature vào tháng 6 năm 1924 và kể từ đó được tôn sùng như một biểu tượng của chủ nghĩa siêu thực. Man Ray được công nhận nhờ tác phẩm nhiếp ảnh sáng tạo thể hiện hình tượng phụ nữ theo cách tiếp cận nguyên bản và mang tính thử nghiệm.

Người tình của Ray, nghệ sĩ và nghệ sĩ biểu diễn Alice Prin, còn được gọi là “Kiki de Montparnasse” đã tạo dáng trước ống kính trong nhiều bức ảnh của anh ấy. Đối với tác phẩm này, Ray lấy cảm hứng từ các nghiên cứu khỏa thân của nghệ sĩ Tân cổ điển người Pháp Jean-Auguste-Dominique Ingres, chẳng hạn như bức tranh La Grande Baigneuse, và chụp ảnh người mẫu từ phía sau theo phong cách tương tự. Người mẫu khỏa thân đội một chiếc khăn xếp trên đầu và một tấm vải che một phần đùi, không để lộ bàn tay. Bằng cách vẽ hai lỗ âm thanh hình chữ f lên bản in ảnh rồi in ảnh lên trên, Ray đã biến cơ thể của mình thành một nhạc cụ, một cây vĩ cầm.

Man Ray trong tác phẩm này vận dụng quan niệm khách quan hóa và ngưỡng mộ cơ thể phụ nữ. Chúng ta thấy sự đặt cạnh lập dị này của hình dáng phụ nữ với một đối tượng tái diễn trong suốt công việc và sự nghiệp của anh ta. Tiêu đề, trong một cách chơi chữ hài hước, đề cập đến thành ngữ tiếng Pháp 'violon d'Ingres', có nghĩa là sở thích, và xuất phát từ niềm đam mê nổi tiếng của Ingres đối với violin. Man Ray thông qua tác phẩm này bày tỏ lòng kính trọng đối với tác phẩm của họa sĩ Ingres, đồng thời giới thiệu nàng thơ và người yêu của mình, Kiki, là 'violon d' Ingres' của chính mình.

Max Ernst, THE GREAT FOREST, 1927, 96.3 x 129.5 cm, oil on canvas – Kunstmuseum, Basel, Switzerland

Khu rừng vĩ đại được nghệ sĩ siêu thực Max Ernst tạo ra vào năm 1927, là một phần của loạt tác phẩm về rừng trừu tượng mà ông vẽ vào cuối những năm 1920. Đối với bức tranh này, ông đã sử dụng kỹ thuật sáng tạo về lưới điện mà ông đã phát minh ra vào năm 1926, sau những thí nghiệm trước đó của ông với tường chắn. Ernst đã phát triển kỹ thuật vẽ bằng cách đặt các đồ vật có bề mặt có kết cấu, chẳng hạn như lưới thép, gỗ và thủy tinh vỡ, bên dưới bức vẽ của mình, sau đó trải và cạo lớp sơn dày để ghi lại các hiệu ứng kết cấu và diễn giải các hình thức nổi lên.

Bố cục của tác phẩm này thể hiện một bức tường dày đặc và không thể xuyên thủng của một khu rừng tối tăm với dấu vết duy nhất của sự sống, một con chim đang bay giữa những tán cây, trong khi một đĩa mặt trời lớn đang lơ lửng ở hậu cảnh. Khu rừng truyền tải một chất lượng của thế giới khác như thể nó bị hóa đá và bị mê hoặc. Vòng tròn giống như mặt trời chiếm ưu thế trong bố cục và truyền tải cảm xúc lạc quan; màu vàng nhạt của nó tạo nên sự tương phản tuyệt đẹp với khu rừng tối tăm và bầu trời xanh huyền bí. Không có cách sử dụng phối cảnh theo nghĩa truyền thống; mặt trời, rừng và bầu trời dường như đều ở một cấp độ. Trong bố cục này, kết cấu đóng một vai trò quan trọng. Ernst cạo lớp sơn để tạo ra các đường nét và hoa văn, đồng thời để lộ các dạng kết cấu tươi sáng của thân cây và tán lá.

Rừng và các loài chim thường xuyên xuất hiện trong tác phẩm của Ernst, cho thấy sự quan tâm của ông đối với thiên nhiên. Nguồn cảm hứng cho tác phẩm này bắt nguồn từ ký ức thời thơ ấu của Ernst cũng như nỗi sợ hãi và niềm đam mê mà anh đã trải qua trong khu rừng Đức bao quanh ngôi nhà của mình. Bài luận của Ernst “Les Mystères de la forêt”, (“Bí ẩn của khu rừng”), xuất bản năm 1934 trên Minotaure, một tạp chí thiên về chủ nghĩa siêu thực, mô tả niềm đam mê và tình yêu dành cho khu rừng: “Có vẻ như chúng rất man rợ và không thể xuyên thủng, đen và nâu đỏ, ngông cuồng, thế tục, đông đúc, đường kính, cẩu thả, hung dữ, nhiệt thành và đáng yêu, không có ngày hôm qua hay ngày mai… Trần trụi, họ chỉ mặc trang phục uy nghiêm và bí ẩn của mình”.

Salvador Dali, THE PERSISTENCE OF MEMORY, 1931, 9 1/2 x 13″ (24.1 x 33 cm), Oil on canvas – The Museum of Modern Art, New York, USA

Sự dai dẳng của ký ức là một trong những tác phẩm nổi tiếng và dễ nhận biết nhất của Salvador Dali và đã trở thành đại diện cho cả một phong trào. Nó được tạo ra vào năm 1931 ở đỉnh cao của phong trào Siêu thực. Dali giống như nhiều nghệ sĩ Siêu thực lấy cảm hứng từ các lý thuyết phân tâm học của Freud về tiềm thức và những giấc mơ. Để tạo ra tác phẩm này, Dali đã sử dụng phương pháp phê phán hoang tưởng, qua đó anh sẽ tự gây ra chứng hoang tưởng và ảo giác để tạo điều kiện thuận lợi cho quá trình sáng tạo của mình. Phương pháp và công việc của ông đã có ảnh hưởng rất lớn đến nhiều nhà siêu thực khác và mở ra một thế giới hoàn toàn mới về khả năng.

Bức tranh đưa người xem vào một khung cảnh giống như sa mạc thơ mộng, nơi sự chú ý của chúng ta ngay lập tức bị thu hút bởi những chiếc đồng hồ đang tan chảy trên đỉnh một khối nhà, một cành cây khô và một khuôn mặt lớn đang ngủ bị biến dạng nằm trên mặt đất. Đồng hồ tan chảy có thể được hiểu là biểu tượng của sự trôi qua và hao mòn của thời gian, điều này cũng được biểu thị bằng hình ảnh đàn kiến đi trên mặt đồng hồ úp xuống. Chiếc đồng hồ tan chảy, một trong những biểu tượng mang tính biểu tượng nhất của Dalí, đã trở thành mô típ thường xuyên trong nhiều bức tranh siêu thực của ông. Đúng như mong đợi của một nghệ sĩ siêu thực, Dali giải thích rằng những chiếc đồng hồ tan chảy mềm mại “…không gì khác hơn là pho mát Camembert mềm mại, ngông cuồng, đơn độc, hoang tưởng của không gian và thời gian… Cứng hay mềm, nó tạo nên sự khác biệt gì! Miễn là họ nói thời gian chính xác…”.

Ở hậu cảnh, ánh mắt của chúng ta thư giãn trên đường chân trời của biển xanh nhạt và những vách đá ám chỉ phong cảnh Catalonia, quê hương của Dali. Tất cả các yếu tố của bố cục đều được vẽ theo phong cách siêu thực và mọi thứ dường như đóng băng theo thời gian như thể thời gian đã dừng lại trong ký ức cũ. Trong tác phẩm này, Dali đã kết hợp và xóa mờ ranh giới giữa thực và ảo một cách liền mạch.

Dorothea Tanning, EINE KLEINE NACHTMUSIK, 1943,  40,7 × 61cm, Oil on canvas – Tate Modern, London, UK

Eine Kleine Nachtmusik là một trong những bức tranh nổi tiếng đầu tiên của Dorothea Tanning. Bức tranh trình bày một khung cảnh đặc biệt với những diễn biến kỳ lạ, ở nơi dường như là hành lang khách sạn. Các cửa được đánh số và hành lang được trải thảm đỏ, trong khi ở phía bên phải, một tia sáng le lói chiếu qua cánh cửa hé mở. Một bông hoa hướng dương khổng lồ và những mảnh thân gãy của nó nằm trên sàn hành lang. Một nhân vật giống búp bê, để lộ bộ ngực, kiệt sức tựa vào một trong những cánh cửa, tay cầm một cánh hoa hướng dương. Hình bóng thứ hai của một cô gái đang đứng đối diện với bông hoa gãy khổng lồ như thể đang chứng kiến ​​nó rơi xuống, trong khi mái tóc dài của cô ấy bị một cơn gió mạnh thổi bay lên. Có vẻ như một trận chiến hoặc cuộc chạm trán kịch tính chống lại các thế lực siêu nhiên đã diễn ra, thể hiện qua quần áo rách nát của các cô gái và bông hoa hướng dương bị phá hủy. Sự việc bí ẩn và đen tối trong Eine Kleine Nachtmusik gợi lại đặc điểm kỳ ảo và ác mộng của văn học Gothic mà Canning yêu thích.

Eine Kleine Nachtmusik có nghĩa là 'A Little Night Music', được đặt tên theo một trong những bản dạ khúc nổi tiếng nhất của Mozart; một sự mâu thuẫn nghịch lý với chủ đề của bức tranh. Tanning cũng bị mê hoặc bởi hoa hướng dương và đã tuyên bố rằng hoa hướng dương trong tác phẩm này đại diện cho "biểu tượng của tất cả những điều mà tuổi trẻ phải đối mặt và giải quyết, […] một trận chiến không hồi kết mà chúng ta tiến hành với những thế lực vô danh, những thế lực." đã có trước nền văn minh của chúng ta'. Tanning thường xuyên khám phá công việc của mình thời con gái và bước chuyển sang phụ nữ ở tuổi dậy thì, và tác phẩm này có lẽ khám phá sự thay đổi sâu sắc này một cách mang tính biểu tượng và siêu thực. Những điểm tương đồng với tác phẩm của Tanning có thể được tìm thấy trong tác phẩm văn học Alice Adventures in Wonderland của Lewis Carrol, trong đó việc miêu tả tương tự trải nghiệm thời thơ ấu và kịch tính nội tâm đi ngược lại nhận thức lý tưởng về sự tồn tại vô tư và ngây thơ của một đứa trẻ.

Meret Oppenheim, OBJECT (LE DEJEUNER EN FOURRURE),  1936, fur-covered cup, saucer, and spoon – The Museum of Modern Art, New York (MoMA), USA\

Tác phẩm nghệ thuật siêu thực rất đơn giản nhưng lại vô nghĩa đến kinh ngạc. Nó trưng bày một tập hợp bất thường của một sinh vật biển đầy đe dọa, một con tôm hùm lớn và một vật dụng hàng ngày, một chiếc điện thoại. Dali, tuân theo các nguyên tắc của Chủ nghĩa siêu thực về bản chất phi logic của hình ảnh trong mơ, tiềm thức và ham muốn tình dục, đặt một con tôm hùm làm bằng thạch cao trên điện thoại, với cơ quan sinh dục của nó thẳng hàng với ống ngậm. Điện thoại Tôm hùm ban đầu có tên là Điện thoại kích thích tình dục và đối với Dali, tác phẩm nghệ thuật siêu thực này mang ý nghĩa tình dục mạnh mẽ, vì tôm hùm được coi là thuốc kích thích tình dục.

Sự khám phá của Dali về phương pháp phê bình hoang tưởng và mối bận tâm với các tổ hợp và đồ nội thất siêu thực, đã mang đến một chiều hướng mới cho chủ nghĩa siêu thực. Ý nghĩa của chiếc điện thoại Tôm Hùm đã là chủ đề của nhiều cách giải thích khác nhau theo thời gian. Tuy nhiên, người ta thường thừa nhận rằng tác phẩm này chỉ đơn giản là kết quả của sự hài hước của Salvador Dali. Việc ghép đôi hai vật thể không liên quan chỉ đơn giản là khiến anh ấy thích thú. Để giải thích điều này, Dali nói: “Tôi không hiểu tại sao khi tôi gọi món tôm hùm nướng trong nhà hàng, tôi không bao giờ được phục vụ một chiếc điện thoại đã nấu sẵn; Tôi không hiểu tại sao rượu sâm panh luôn được làm lạnh và tại sao những chiếc điện thoại vốn thường ấm khủng khiếp và dính khó chịu khi chạm vào lại không được đặt trong những chiếc xô bạc có đá vụn xung quanh.” Đó là lý do tại sao hầu hết mọi người tin rằng tác phẩm này thể hiện sự hài hước của người nghệ sĩ nổi tiếng.

(Theo Artlex Art Dĩctionary)